Andante con moto: Significado y contexto en la música

La música es un lenguaje propio y, si hay algo que refuerce la idea, como lenguaje de lo inexpresable, es la música de Schubert. Cualquiera que desee entender su idioma necesita tiempo, paz y tranquilidad.

Todos creen saber el significado del Reino de Apolo, y lo definen así: «La Música es el arte de los sonidos», lo que yo considero absurdo. Al pensar así, creen que la Música no es otra cosa que una simple melodía que sirve para deleitar el oído, o para bailar.

Pero entonces, dirán muchos, ¿qué definición podremos dar que signifique más fielmente lo que es la Música? El poeta se expresa por medio del lenguaje; en sus poe­sías él trata de decir lo que siente; pero, ¿hay palabras para po­der expresar lo que él siente en su espíritu?, ¿hay palabras pa­ra poder hacer sentir a otra persona lo que él siente?

No. El no puedo expresar su estado de ánimo, porque busca las pala­bras con qué expresarse, y al hacerlo los sentimientos no le salen puros; le salen transformados, metamorfoseados.

Así pues, la Literatura no pasa más allá dé expresar lo material, lo exterior, el medio ambiente que nos rodea. Beethoven en una carta que escribió a Wilhelm Gerard, dice: «El describir pertenece a la Pin­tura; también la poesía puede considerarse feliz en cuanto a esto, en comparación con la música.

La Pintura y la Escultura son dos artes más materiales aún que la Literatura. Es un cuadro perfecto, en el cual el rostro de Monna Lisa se nos presenta con una expresión tal, que no po­demos expresarla con palabras; pero ésta es la forma como se presenta materialmente a nuestra vista, en la faz de una perso­na, el dolor, la alegría, la rabia, etc.

En cambio ¿pudo expresar mejor Schubert su estado de ánimo con su Sinfonía Inconclusa? ¿Pudo expresar mejor su amargura en lo profundo y apasionado del Allegro Moderato, y su esperanza hacia un futuro mejor en el maravilloso Andante con Moto?

Indudablemente que no; y el que haya dejado inacabada su sinfonía, es algo que dice que el maestro, había expresado todo lo que sentía en los dos movimientos que posee­mos. Beethoven en su Sinfonía Pastoral expreso lo que le sugería el campo.

Fue así como desde su juventud tuvo estos sentimientos dentro de sí, y proyectó expresarlos en una sinfonía. Él no tomó sus sonidos (el caer de las hojas secas, el trinar de los pájaros, el correr del agua) y los transfor­mó en temas, pues su sordera se lo impedía; pero al sentarse bajo los árboles a contemplar los verdes prados y aspirar el aire puro sentía una alegría y un goce que no es posible des­cribir con palabras.

El significado de Andante con moto

El término "Andante con moto" es una indicación musical que combina dos elementos importantes relacionados con el tempo y el carácter de una pieza. Para comprender completamente su significado, es esencial desglosar cada uno de estos componentes:

• Andante: En italiano, "andante" significa "caminando". En la música, indica un tempo moderado, similar al de una persona caminando a un paso tranquilo y relajado.
• Con moto: La frase "con moto" se traduce como "con movimiento". Esta adición sugiere que la pieza no solo debe tocarse a un tempo moderado, sino también con una sensación de fluidez y energía.

Por lo tanto, "Andante con moto" implica un tempo moderado pero animado, con una sensación de movimiento y fluidez. El intérprete debe evitar que la pieza suene arrastrada o pesada, buscando un equilibrio entre la moderación del tempo y la vivacidad del carácter.

Ludwig van Beethoven, un revolucionario en la música.

Beethoven y la revolución musical

Dentro de la historia de la música occidental, la gran mayoría coincide en que hay un antes y un después de Ludwig Van Beethoven. A lo largo de su vida fue testigo de importantes cambios en la vida cultural y política de Europa; una época turbulenta de revolución y reacción, de estallidos sociales, donde todos los parámetros culturales, artísticos, filosóficos, políticos y sociales fueron puestos en cuestión. Algo que marcó su personalidad, ideas y concepción de la música y lo que ésta debía expresar.

Todo el espíritu revolucionario que impregnaron su época y juventud, toda la lucha personal por seguir siendo músico y compositor a pesar de su sordera; todo aquello fue traducido en nuevas ideas musicales y formas compositivas que lo hicieron un revolucionario dentro de la música. Por adquirir formas y recursos compositivos nuevos, por salir de las normas estilísticas propias del clasicismo, utilizando de forma audaz e innovadora elementos de este estilo y rompiendo con estas formas, creando a partir de ellas algo completamente nuevo.

En la 5ta Sinfonía un motivo tan sencillo de cuatro notas (el famoso ta-ta-ta-taaaan) del comienzo, sirve para darle entidad a toda la composición, reformulando y desarrollando este mismo motivo a lo largo de cuatro movimientos diferentes, algo innovador para su época. La mayoría de los analistas coinciden en que esta sinfonía tiene un aspecto de triunfo en la lucha contra la adversidad, comenzando con climas oscuros y tempestuosos en el primer movimiento para terminar con un espíritu triunfal en el último.

Análisis de la Quinta Sinfonía de Beethoven

La 5ta Sinfonía está compuesta por cuatro movimientos (o partes) y cada uno de ellos está relacionado con el anterior aunque mantiene su autonomía en su forma. Estos son:

1. Allegro con brio.
2. Andante con moto.
3. Scherzo. Allegro.
4. Allegro.

Los nombres tienen que ver con el ritmo y en muchos casos la velocidad de ejecución (por ejemplo Allegro, del italiano “alegre” o con ritmo “alegre” o Andante del italiano “andando o caminando”, más lento que el anterior).

Franz Schubert, un genio de la música.

Franz Schubert y su legado

Schubert solo vivió treinta y un años, y fue querido por sus contemporáneos. Hoy en día, su música nos emociona, y nos transporta desde el más alegre de los estados de ánimo hasta la desesperación más profunda. ¡Esa tristeza, esa cercanía con la muerte presente en su obra, por no hablar de la melodía y la armonía, son únicas en Schubert!

Franz Schubert (1797-1828) ha suscitado numerosas leyendas, que hablan de un hombrecito obeso, miope, amable y pobre, que escribía inspiradas melodías en los cafés y en las casas de amigos. Qué simplistas y equivocados suelen ser estos mitos y cuánto más compleja y fascinante fue la personalidad de este genio de la música.

Obras para piano solo con la mano izquierda

La inclusión de música latinoamericana en los programas de estudio de los conservatorios y universidades de la región goza de un interés creciente por parte de quienes reconocen su importancia en la formación académica de las nuevas generaciones, pues muchas veces su difusión recae en eventos e instituciones que a nivel profesional propician un espacio para ella. Son muchos los esfuerzos que se realizan en diferentes países por estudiar, publicar o registrar en soportes audiovisuales la producción latinoamericana, con el propósito de saldar esa deuda con nuestra música.

Sin embargo, queda un largo camino por recorrer, especialmente con repertorios menos favorecidos, como es el caso del concebido para la ejecución del piano solo con la mano izquierda. Entre los referentes principales se encuentran los libros Piano Music for One Hand (1994) de Theodore Edel y One Handed: A Guide to Piano Music for One Hand (1999) de Donald Patterson.

Este último es más exhaustivo que el anterior por el volumen de obras registradas para la mano izquierda, la propuesta de organización desde los niveles pedagógicos hasta el repertorio de concierto y la discusión que realiza en torno a las dificultades de ejecución. Un panorama más actualizado lo encontramos en la página web creada por Hans Brofeldt, quien por más de treinta años ha conseguido documentar la labor de más de ochocientos compositores en todo el mundo, interesados en escribir para la mano izquierda sola.

Si bien los textos de Edel y Patterson incluyen algunas obras de compositores latinoamericanos, estas constituyen un porcentaje ínfimo respecto del corpus expuesto de otras regiones del mundo. Por ello, nuestro objetivo general se centrará en registrar las obras latinoamericanas, con el propósito de iniciar un camino que pueda enriquecerse con el aporte futuro de otros colegas interesados en el tema.

Las fuentes consultadas permitieron organizar el artículo de la siguiente manera: primero se exponen las características de ejecución de las obras para mano izquierda, y luego se realiza un repaso por el contexto histórico en el que se produjo el repertorio canónico para esta mano en solitario. Posteriormente, se presentan cuatro tablas, de propia elaboración, que registran la mayor cantidad posible de obras dedicadas a la mano izquierda en Latinoamérica: la primera, con obras para piano solo; la segunda, con obras para grupos de cámara; la tercera, con obras para piano y orquesta; y la cuarta, con la única obra encontrada para piano y otro medio.

Varios estudios acerca del repertorio para mano izquierda exponen las razones por las que ha sido más común el uso de esta extremidad respecto de su homóloga en el hemisferio derecho. Una de ellas es la aparición del pedal de resonancia en el piano moderno (siglo XVIII), que permite mantener la sonoridad a lo largo de todas las tesituras del instrumento. Esto ofrece la posibilidad de crear la “ilusión sonora de que el intérprete está tocando en varias zonas del teclado al mismo tiempo con las dos manos, cuando solo hay una”.

Más allá de estas posibilidades mecánicas del piano, existe un componente anatómico que brinda al intérprete un mejor acomodo en una obra escrita para mano izquierda, respecto de la derecha. Por su posición frente al registro grave, la izquierda es la más apropiada para trabajar con esta sección sonora, si consideramos, además, que la música tonal establece su construcción armónica partiendo del bajo (sonido más grave de un acorde). Por el contrario, si la obra estuviese escrita para la mano derecha, el pianista se vería obligado a realizar movimientos más grandes con el torso de su cuerpo para trasladarse de un registro a otro.

Efectivamente, el trabajo con la mano izquierda sola contribuye a mejorar su agilidad y desplazamiento, pero también a optimizar su flexibilidad y capacidad para cantar con solo cinco dedos. Por medio de un simple análisis anatómico, y teniendo en cuenta determinados diseños pianísticos, es más cómodo para el intérprete destacar una línea melódica superior con el pulgar y dejar al resto de los dedos la tarea de ejecutar un material armónico de relleno a la misma.

Para entonces, muchos pianistas-compositores, como fue el caso de Franz Liszt (1811-1886), decidieron explotar al máximo el desempeño de ambas manos, exigiéndole a la izquierda despojarse de su zona de comodidad. Como se verá más adelante, para ese momento comenzaron a surgir algunos ejercicios y estudios enfocados en desarrollar las habilidades de ejecución de la mano izquierda, en tanto práctica consciente de su rezago respecto de la derecha.

David Byrne, compositor, cantante y divulgador musical.

El mundo musical de David Byrne

Compositor, cantante, escritor, y divulgador musical por excelencia, el músico escocés David Byrne (Talking Heads), es uno de los pocos casos en los que convive una creación musical siempre novedosa, con la reflexión profunda sobre la historia, los cambios tecnológicos que han afectado a la música y la relación entre creador y oyente.

La grabación como uno de los hitos tecnológicos más importantes del siglo XX y que marca un punto de quiebre en la historia de la música, es lo que despliega como punto de partida David Byrne en su libro “Como funciona la música”. La experiencia del músico en los escenarios, en el estudio de grabación y escribiendo canciones para distintos tipos de lugares, le permiten a Byrne mirar con riqueza y amplitud el acontecimiento musical.

Desde los monasterios, hasta las mejores salas de concierto de todo el mundo, pasando por los estadios y clubes de jazz, Byrne se pregunta de qué manera cada uno de estos lugares (y muchos otros), contribuyeron y provocaron (con sus características arquitectónicas), innovaciones musicales a lo largo de la historia. Un recorrido fantástico por la historia de la música y su íntima relación con la arquitectura.

Dirigida por el cineasta Spike Lee y con guion del propio David Byrne, American Utopia es un documental a propósito de una presentación de American Utopia, décimo álbum de estudio de David Byrne adaptado a un musical y estrenado en Broadway. Entre las muchas excelentes críticas que recibió el documental, destaca la de Jordan Hofman de Vanity Fair: “Una de las mejores películas de un concierto de todos los tiempos…American Utopia es una colaboración excelente entre dos artistas fundamentales”.

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